Sébastien Bertaud, Bruno Bouché, Simon Valastro et Nicolas Paul, danseurs à l’Opéra, proposent leurs créations pour les interprètes de la Compagnie sur la scène du Palais Garnier. L'occasion de s'interroger sur le métier de chorégraphe mais surtout de révéler au public quatre personnalités, quatre danseurs d'aujourd'hui et chorégraphes de demain.

J’ai été formé à l’École de Danse de l’Opéra et je porte en moi cet héritage immatériel. Après avoir travaillé avec beaucoup de chorégraphes contemporains ces dernières années, je ressens la nécessité de revenir aux sources de ma pratique. Avec Renaissance, je cherche à faire renaître une tradition en l’inscrivant dans notre époque.

J’ai voulu créer un ballet classique d’aujourd’hui, en proposant une pièce actuelle qui met en valeur les compétences spécifiques des danseurs du Ballet de l’Opéra. J’ai également souhaité faire revivre une certaine forme de virtuosité visuelle que je retrouve dans notre histoire, de Louis XIV à nos jours, de Versailles à l’Opéra Garnier.

J’ai choisi le Concerto pour violon de Mendelssohn pour sa finesse et son élégance. De plus, la virtuosité du violon, instrument à l’honneur, fait écho au travail des danseuses sur pointes.

La mode et la danse ont souvent entretenu des relations privilégiées. Pierre Balmain a habillé beaucoup de danseuses des années cinquante et a notamment collaboré avec Serge Lifar. Le style d’Olivier Rousteing, qui dirige aujourd’hui la maison Balmain, correspond à notre époque et se situe dans cette lignée d’audace et de raffinement.

Renaissance est certainement l’aboutissement d’un cycle. Pour la première fois, je crée une pièce de groupe pour des danseurs avec qui je partage la scène du Palais Garnier depuis dix-sept ans.

Je me sens autant danseur que chorégraphe. Mon travail de chorégraphe se situe en continuité avec celui de danseur et je ne l’envisage en aucun cas comme une reconversion. Cette année à l’Académie en parallèle à ma saison de danseur m’a permis de me dépasser.

Sébastien Bertaud, Bruno Bouché, Simon Valastro et Nicolas Paul, danseurs à l’Opéra, proposent leurs créations pour les interprètes de la Compagnie sur la scène du Palais Garnier. L'occasion de s'interroger sur le métier de chorégraphe mais surtout de révéler au public quatre personnalités, quatre danseurs d'aujourd'hui et chorégraphes de demain.

Ce projet est né de plusieurs recherches : une recherche sur la période historique du Moyen-Âge et de la Renaissance qui me passionne depuis longtemps mais aussi autour du thème du Déluge et de ses représentations à cette époque qui m’ont paru d’une étonnante modernité par leur simplicité et leur dépouillement. En parallèle, nous avons développé avec Jean-Christophe Guerri, un travail de vidéaste sur le corps et l’eau.

 

Oui, la description de l’eau qui, lors du Déluge, passe « à sept mètres et demi au-dessus des montagnes ». L’actualisation du passage de la Bible (les traductions ont tendance à plutôt utiliser la coudée qui est l’unité de base) m’a amusé et plus sérieusement pose la question de la mise à jour du récit.

Dans l’écriture du mouvement, on retrouve des positions de mains directement inspirées des représentations picturales du Moyen-Âge qui accordent une place cruciale à cette partie du corps. Un certain traitement des couleurs m’a paru également très spécifique de cette époque comme la question de la perspective.

La vidéo est traitée à la manière de tableaux et s’inscrit directement en contraste avec ce qui se passe sur scène. Alors que la chorégraphie, placée sous le signe de la profusion, est très dense et rapide, la vidéo, elle, propose une succession de plans fixes, assez lents avec des mouvements imperceptibles. Par leur contraste, j'espère que les deux arts pourront dialoguer.

L’image d’un corps noyé évoque immédiatement une certaine actualité et un ensemble de situations géopolitiques. C’est tout à fait nécessaire de prendre conscience de cet effet de miroir. Cependant, j’ai cherché à évoquer une sensation intime du déluge qui peut être psychique ou sociale, pas forcément politique.

Pour moi, cette soirée témoigne de la diversité qu’est capable de faire naître une institution comme le Ballet de l’Opéra de Paris, les différentes personnalités qu’elle a su faire grandir et prospérer. Plus personnellement, il me reste encore trois ans dans cette compagnie avant de prendre ma retraite. Cette pièce est donc probablement la dernière que je crée pour la Compagnie avant de mettre un terme à ma carrière de danseur.

Sébastien Bertaud, Bruno Bouché, Simon Valastro et Nicolas Paul, danseurs à l’Opéra, proposent leurs créations pour les interprètes de la Compagnie sur la scène du Palais Garnier. L'occasion de s'interroger sur le métier de chorégraphe mais surtout de révéler au public quatre personnalités, quatre danseurs d'aujourd'hui et chorégraphes de demain.

Pour cette pièce, qui signe en quelque sorte mes adieux à l’Opéra de Paris, le thème d’une quête s’est imposé à moi. Quête d’un ailleurs, d’un changement de cap, d’une autre réalité. J’ai placé au cœur de mon travail cette quête et tout ce qu’elle implique de physique et d’éprouvant comme la traversée, l’exil, la perte de repère ou encore un certain chaos engendré par ces changements d’axe. On peut l’interpréter à la lumière de l’actualité mais également dans un sens plus métaphysique. Traverser des épreuves pour accéder à une certaine joie, n’est-ce pas l’histoire d’une vie ?

J’ai été confronté à la question des réfugiés dans mon quotidien mais je ne souhaite pas faire passer un message ou créer une pièce engagée. Je suis davantage dans des constructions poétiques. Je souhaite ouvrir les pistes, élargir les horizons d’interprétation. Mes inspirations sont aussi bien Dante et la traversée de l’Enfer dans La Divine Comédie que l’actualité qui me touche beaucoup. Savoir prendre soin de l’autre fait partie de ma réflexion dans mon travail avec les danseurs.

La chanson Doyna et le texte de Deleuze sont justement là pour élargir le propos. Le groupe The Klezmatics qui s’inspire de la musique traditionnelle yiddish Klezmer rappelle les migrations d’un peuple pendant longtemps sans territoire. Le texte, qui regroupe des extraits du cours de Gilles Deleuze sur Spinoza, intitulé « Immortalité et éternité », élargit le spectre de cette quête à notre propre condition : celle d’être mortel et d’avoir conscience de notre finitude.

La rencontre avec William Forsythe a été déterminante. Plus mon travail avance et mieux je comprends sa manière d’entrevoir la chorégraphie comme une manière de résister. Pour faire advenir ses pensées, l’artiste est dans une confrontation permanente avec le réel qui lui impose sa propre résistance. Avec Undoing World, j’ai voulu aller vers quelque chose d’inconnu et emporter les danseurs avec moi pour arriver à des complexités et des libertés de nouvelles formes.

Je viens du classique et suis pétri de mes expériences de danseur. Cette formation m’aide comme elle peut m’encombrer. Même si je sens une continuité entre les deux activités, je les distingue complètement. C’est très important que l’Opéra de Paris encourage et porte les danseurs qui ont le désir d’être chorégraphes.

Sébastien Bertaud, Bruno Bouché, Simon Valastro et Nicolas Paul, danseurs à l’Opéra, proposent leurs créations pour les interprètes de la Compagnie sur la scène du Palais Garnier. L'occasion de s'interroger sur le métier de chorégraphe mais surtout de révéler au public quatre personnalités, quatre danseurs d'aujourd'hui et chorégraphes de demain.

J’ai découvert la pièce de David Lang en 2008. Le conte, par la force des thèmes qu’il dévoile, m’a toujours intéressé et la manière dont David Lang décale le récit en opérant un parallélisme entre l’histoire de la petite fille et la Passion du Christ m’a paru pertinente. La pièce emprunte à l’oratorio en alternant récitatif et air. Quinze séquences structurent l’œuvre : les récitatifs sont composés du texte en anglais du fameux conte d’Andersen. Les airs, eux, reprennent souvent des citations de l’Évangile.

 

Dans la version originale, les percussions sont confiées aux chanteurs. Seulement, pour leur donner plus de liberté de mouvement sur scène, j’ai préféré confier les deux instruments à des percussionnistes qui sont, eux, dans la fosse. J’ai choisi de répéter séparément. Les chanteurs et les danseurs partagent la scène mais évoluent dans deux espaces bien distincts.

Je me suis beaucoup inspiré de Lars von Trier et de David Lynch pour la conception de l’image. J’ai souhaité m’éloigner de la narration et évoquer les éléments du conte (le froid, la neige, les allumettes, le sapin de Noël) de manière disparate, un peu comme dans un rêve étrange ou un délire dû à l’hypothermie. Je me suis également inspiré d’une iconographie religieuse : les positions et gestuelles qui rappellent le culte religieux aussi bien dans les peintures de la Renaissance que dans des sculptures plus contemporaines.

La scène du Palais Garnier est un plateau ancien très bien équipé que j’ai voulu exploiter au maximum. Elle est la mémoire de tous les spectacles qu’elle accueille et permet des effets spéciaux intéressants. Je me suis également contraint à augmenter le nombre de danseurs pour occuper cette grande scène.

J’ai toujours porté en moi cette envie de chorégraphier mais ce n’est que récemment qu’elle s’est concrétisée. Être uniquement concentré sur sa carrière de danseur peut être un frein à la création. Aujourd’hui, je suis dans une recherche de langage que j’aimerais développer, étoffer au fur à mesure. C’est quelque chose qui prend du temps, qui évolue.